Mois: novembre 2017

L’art d’être solivagant

Le solivagant est un marcheur qui choisit le vagabondage solitaire.  

La pratique de la marche occupe désormais une place prépondérante dans les activités récréatives de tourisme et de bien-être. De multiples offres utilisent la marche pour « endoctriner » le marcheur en lui vendant découverte du territoire, tissage de lien social, fabrique d’un sentiment d’appartenance, adhésion à un projet d’aménagement de préférence structurant. Un utilitarisme qui implique des marches organisées. Ces marches grégaires donnent lieu à de longues files s’effilochant sur des sentiers où chacun est invité à partager une expérience collective. Les chemins de la foi, les marches contestataires, les visites guidées ont décliné la formule avec succès. Des chemins méconnus, des sentiers peu pratiqués se transforment ainsi, par la grâce des organisateurs, en véritables autoroutes à marcheurs. Objectif considéré comme un succès.

I need to be alone. I need to ponder my shame and my despair in seclusion; I need the sunshine and the paving stones of the streets without companions, without conversation, face to face with myself, with only the music of my heart for company.  – Henry Miller in Tropic of Cancer.

Mais la marche est encore aussi pour certain synonyme d’«ennui». Alors interrogeons-nous, que se passe-t-il si nous revisitons une conception solitaire et regardons comment la marche peut être bénéfique pour vaincre le mal-être, pour améliorer la santé physique et mentale, favoriser une nouvelle conscience de soi?

For my part, I travel not to go anywhere, but to go. – Robert Louis Stevenson
Socialement, nous sommes constamment poussés vers la prochaine opportunité à découvrir au bout de la rue. Souvent, cela signifie que nous quêtons une hypothétique satisfaction, plutôt que d’accepter de vivre dans le présent, nous poursuivons une promesse future toujours hors de portée.  La même problématique s’applique à la marche. Nous marchons de préférence s’il y a un but. Nous marchons vers notre lieu de travail, notre lieu d’étude, de loisirs, ou pour aller vers un objectif qui nous a été assigné. Mais que faire si nous commençons à marcher juste pour notre plaisir personnel? Etre solitaire est un choix, alors que la solitude ne l’est pas. 

Il s’avère que ce vagabondage, contrairement à une opinion répandue, n’est pas une errance stérile mais favorise le bien-être, d’autant plus facilement qu’il s’agit d’une pratique accessible à tout un chacun dans son environnement immédiat.

Finsbury Park North London by Alamy

 

Il n’y a rien de tel que la marche solitaire

Solitude is independence. It had been my wish and with the years I had attained it. It was cold. Oh, cold enough! But it was also still, wonderfully still and vast like the cold stillness of space in which the stars revolve. – Hermann Hesse in Steppenwolf

La marche en solitaire présente des similitudes avec la dérive psychogéographique chère aux situationnistes. La psychogéographie doit s’entendre littéralement comme un point de convergence de la psychologie et de la géographie, concernant la dérive urbaine. Mais le principe posé par Guy Debord peut être élargi à des pratiques périphériques comme le voyage mental, la flânerie ou encore le vagabondage.  Malgré la disparité apparente de ces pratiques, elles agrègent des invariants, dont la marche est l’élément fondamental.

Rex Features

 

Qu’il se nomme marcheur, flâneur ou promeneur, le piéton à une dimension politique  caractéristique de la psychogéographie, l’opposition à l’autorité à laquelle s’adjoint un sens de la provocation pouvant prendre des formes ludiques. La psychogéographie actuelle s’inscrit dans des approches liant une histoire locale à une enquête géographique.

Lors d’une promenade dans notre environnement, nous découvrirons avant tout, que même seul, nous participons de quelque chose qui nous dépasse.

Vous pouvez sur tous les sites, touristiques ou pas, croiser des personnes isolées. Avant que vous n’en ayez conscience, vous serez en phase avec eux. Les «solivagants», un type de personne,  que je vous invite à découvrir. Des errants solitaires avec lesquels vous partagerez des instants et des émotions éphémères, une complicité fugace tant chacun veille à respecter l’Autre.

Le solitaire est un diminutif du sauvage, accepté par la civilisation. -Victor Hugo in L’Homme qui rit

N’attendez rien, gagnez tout

Les événements aussi minuscules soient-ils adviennent quand on s’y attend le moins, et ce sont souvent les meilleures surprises. Cela survient lors de marche sans but – autrement dit de marche méditative.

Si vous venez sans attente, autre que de vous abandonner à votre environnement, je peux vous assurer que vous allez acquérir quelque chose d’intangible, de l’ordre d’une expérience bénéfique.

Not all who wander are lost. -Tolkien in The Lord of the Rings

L’expérience du solivagant, favorise l’acquisition d’une meilleure conscience de soi. Peut-être parce que l’on est plus à l’aise en sa propre compagnie, avec rien d’autre que ses propres pensées pour se guider.

Un homme seul – 2005 – photo : imagineur

On se laisse envahir par une seule pensée – je veux marcher, simplement pour le plaisir de marcher et m’immerger dans mon environnement immédiat.

En anglais Listen & Silent s’épellent avec les mêmes lettres, ce qui est une invitation à combiner écoute et silence.

Christian Marclay- 2005

 

Quand on a une tendance à la rumination mentale, à se perdre dans ses pensées, la pratique de la promenade apprend à être plus en accord avec ses propres pensées et à apprécier le lieu dans lequel on évolue.  Une attitude positive, de la confiance en soi s’acquiert lorsqu’on s’y attend le moins, d’où la nécessité de rester réceptif.

L’habitude de rentrer en moi-même me fit perdre enfin le sentiment et presque le souvenir de mes maux, j’appris ainsi par ma propre expérience que la source du vrai bonheur est en nous. -Jean-Jacques Rousseau in Rêverie d’un promeneur solitaire

Un voyage d’un millier de lieues commence par un simple pas. -Lao Tseu

Si vous choisissez de profiter du moment, choisissez le bonheur hic et nunc, votre esprit peut alors atteindre son vrai potentiel. Si au contraire, vous pensez toujours conditionnellement  « Je serais heureux, si seulement … », vous nourrirez inévitablement votre esprit avec des échecs.

Adopter la position du solivagant dans sa vie (celui d’être à l’aise seul et d’apprécier les sites qui se trouvent sur le chemin que vous rencontrez) constitue un moyen simple d’accomplir un changement positif.

Johanna Obando- The traveller 2013

Essayez, où que vous viviez – n’hésitez pas à enrichir votre expérience en prenant des photos, du café ou du thé, mais faites simplement des promenades, par amour de la marche et appréciez le monde qui vous entoure.

 

Les points de vue d’Hervé Bernard

Le parcours d’Hervé Bernard est à la fois technique, physiologique et culturel, comme le montre son dernier livre intitulé Regard sur l’image, ces trois regards sont indissociables pour faire et comprendre les images. Doté d’un solide bagage technique, Hervé Bernard accorde une place importante à la littérature et à la philosophie.

Regard sur l’image tient tout autant de la thèse illustrée que d’une somme de connaissances encyclopédiques. Cet ouvrage autoédité présente toutes les caractéristiques d’une réalisation soigneuse tant pour la qualité de sa maquette que par l’attention portée à la clarté du texte.

Editer à compte d’auteur contraint à assumer les conséquences d’une absence d’éditeur pour critiquer et alléger les textes de digressions non indispensables, mais aussi des moyens financiers qui limitent l’accès aux droits de reproduction des illustrations.

Dans sa préface Peter Knapp,  le célèbre graphiste, directeur artistique, photographe et plasticien suisse, salue l’entreprise en connaisseur.

Ce livre de 350 pages se décompose en trois parties. La première, consacrée à la photographie, la seconde est dédiée à la vision alors que la troisième interroge la perception.

Dès le titre, Hervé Bernard impose un choix, l’emploi des termes au singulier Regard sur l’image alors que chaque section va présenter différents regards et qu’il sera question des images, fixes ou animées, montées, argentiques ou numériques, mais aussi de peintures. L’auteur s’employant dans chacune des trois sections à présenter les implications sémantiques, techniques, physiologiques et esthétiques de son sujet. Le titre donne à penser que le regard singulier se veut omniscient et l’image générique. L’auteur livre ses points de vue, il s’agit de son regard illustré par ses photographies.

Hervé Bernard s’attache à préciser la signification du mot image, avec ce souci constant de ne pas utiliser le « jargon pseudo-sémantique «  dénoncé par Peter Knapp dans sa préface, mais aussi de synthétiser des idées qui ont donné lieu à d’importantes controverses au cours des siècles. Les débats sont éludés, si ce choix facilite l’accès aux présentations des problématiques exposées, il faut de solides connaissances pour décrypter les options retenues par l’auteur.

Alors que la sélection des références culturelles et théoriques renvoie à des auteurs et des textes qui ne reflètent pas la diversité de la recherche dans sa vivante actualité, les références physiologiques et techniques correspondent à un état de l’art plus actuel. L’auteur met à portée des lecteurs des concepts élaborés, on peut regretter qu’il n’explicite pas ses choix en informant ses lecteurs des débats passionnés qui ont émaillé les théories de l’image.

Le sujet est des plus complexes. En effet, La notion générique d’image qui est employée ici pour définir le statut de la photographie, est traitée comme un objet du savoir ayant ses experts et susceptible d’expertise, ce qui ouvre le champ de la discussion.

Par exemple, André Gunthert, maître de conférence à l’École des hautes études en sciences sociales, où il occupe la chaire d’histoire visuelle, expliquait lors d’une intervention intitulée de quoi la photographie est-elle le nom ? qui ne figure pas dans le livre d’Hervé Bernard, un parti-pris étymologique différent de celui traditionnellement utilisé « Pourtant, l’étymologie ne remplace pas l’histoire. Et le mot qui le montre le mieux n’est autre que le terme «photographie», construction savante issue du grec, forgée dès 1839 par l’astronome John Herschel pour caractériser le procédé négatif-positif du pionnier anglais William Fox Talbot, que chacun croit pouvoir interpréter logiquement comme «écriture par la lumière» (photos = lumière, graphie = écriture).

Or, contrairement à la famille de mots qui exploite le suffixe «graphe» pour désigner l’écriture ou la transcription (orthographe, autographe, télégraphe, etc.), le terme «photographie» renvoie à l’univers des arts graphiques, où cette racine désigne la production des formes visuelles, et plus précisément les techniques de reproduction multiple par impression, comme la xylographie, la lithographie ou la sérigraphie.

La photographie n’est donc nullement perçue comme une forme d’écriture (sur le modèle du télégraphe), mais comme un outil de reproduction à partir d’un original (comme la lithographie). »

Cette analyse ouvre d’autres perspectives à nombre de raisonnement fondés sur la relation écriture-photographie. L’activité critique est inséparable du savoir technique, indissociable de l’analyse des conditions historiques de la production des images.
Dans la première partie sur la photographie, les différents chapitres abordent les problématiques spécifiques à la photographie. Si les illustrations sont commentées, les auteurs ne sont pas mentionnés, il faudra se reporter à la table des illustrations pour les identifier. Ce choix peut s’expliquer par le fait que la quasi-totalité des photos sont de l’auteur. Pour Hervé Bernard pratique de la photo et compétences théoriques sont indissociables, ce qui lui permet de mettre à disposition de ces lecteurs la boîte à outils indispensable à ceux qui souhaitent maîtriser toutes les composantes de la prise vue.

La deuxième partie traite de la perception visuelle. Les phénomènes liés à la vision expliquent les aberrations et illusions dont notre système visuel peut-être victime : «  l’œil ne voit pas des phénomènes qui existent » page 96  alors que « l’œil voit des phénomènes qui n’existent pas «  page 107. La primauté de la vue dans notre société mérite d’en comprendre les fonctionnements physiologiques et les traitements cognitifs.

La troisième partie traite de la perception culturelle de l’image. Une présentation des similitudes des religions du Livre n’établit pas les fondements de la crise qui a opposé les iconophiles et les iconoclastes. Les deux premières querelles iconoclastes, survenues dans l’Empire byzantin en 754 sous le règne de Constantin V, puis cinquante ans plus tard à la mort de l’impératrice Irène. Dans cette partie, l’auteur aborde le sujet de la photo numérique et sa prolifération.

Regard dur l’image, un livre pour ceux qui s’interrogent sur la photographie, de la prise en main de l’appareil au résultat en parcourant la technique, la physiologie et la théorie.

Le livre a obtenu le Prix de l’Académie de la Couleur en 2016.

Regard sur l’image 350 pages, impression quadrichromie, 150 illustrations. Préface Peter Knapp, Prix public : 50 € ttc, Format 21 x 28 cm. EAN 13 ou ISBN 9 78953 66590 12 En vente sur le site : http://www.regard-surlimage.com/regard-sur-limage-la-table-des.html

Paysages français en l’état

Paysages français, l’exposition superlative de la BnF rassemble plus de 160 auteurs, quelque 1000 tirages issus de 40 années de travail collectif. Le mot paysage est employé dans différentes acceptions, car les photos présentées ne se réduisent pas à une « étendue de pays que l’œil peut embrasser dans son ensemble ». Comme le montre le découpage de l’expo en 4 parties aux titres programmatiques :
– L’expérience du paysage
– Le temps du paysage
– Le paysage comme style
– L’être au paysage
Le paysage est affaire de point de vue. Les photographies proviennent majoritairement des grandes institutions et organismes commanditaires de programme sur le thème du paysage. On revisitera le corpus photographique institutionnel de la Mission photographique de la Datar, de la Mission photographique Transmanche, France(s) Territoire Liquide, Conservatoire du Littoral, etc, etc, etc…  A travers ce parcours dans les collections institutionnelles le visiteur suit la mise en place d’une artialisation du paysage. Des vitrines présentent les figures tutélaires du genre, des photographes de la FSA à ceux de New Topographics mais aussi Ed Ruscha en passant par l’Italie et Luigi Ghirri, sans oublier les français Bustamante et Arnaud Claass.  La Mission héliographique, mère de toutes les missions dédiées aux paysages figurent dans les vitrines, avec des photos de Gustave Le Gray.

L’expérience du paysage

Raphaëlle Bertho et Héloïse Conésa, les commissaires de l’exposition

Épinglées, punaisées, suspendues, projetées l’ensemble des photos témoignent d’un état du paysage à l’époque de la prise de vue. Des travaux dans la durée témoignent des modifications, des effets des transformations, cette photographie de constat du temps est un outil indispensable comme l’ont démontré par exemple Fabien Benardeau et Henri Labbé, dans la Notice sur le rôle et l’emploi de la photographie dans le service du reboisement, en 1886 (1). La présentation de la section le temps du paysage insiste sur le « caractère mobile et changeant, marqué par le cycle des saisons, le passage des années ou les transformations structurelles. On suit ses évolutions avec les travaux d’Anne-Marie Filaire et Thierry Girard pour l’Observatoire photographique national du paysage ou ceux de Bernard Plossu dans le cadre du chantier du Tunnel sous la Manche. » Lors de la parution de l’ouvrage de Bernard Plossu « 101 éloges du paysage français » en 2010, Gilles Mora écrivait dans l’introduction :

« Bernard Plossu, un des plus grands photographes français contemporains, est en train de renouer avec une tradition bien peu française, celle de la photographie de paysage. Sur un territoire naturel, celui de son propre pays, la France. Photographier le paysage n’a jamais constitué un enjeu important pour la photographie française. Ce sont plutôt les américains qui ont exploré cette tradition. Mais photographier le paysage rural est de moins en moins fréquent. Si quelques artistes se sont consacrés au paysage urbain (en particulier en Allemagne, avec l’école de Düsseldorf « ), peu, à notre époque, veulent s’intéresser à une nature calme : sans doute pensent-ils qu’elle n’est plus une réalité, tout au plus un mythe. Bernard Plossu prend les choses de façon plus simple : si, muni d’un appareil photographique allégé (petit format, objectif de 50mm normal, pellicule noir et blanc), on décide de contempler la France profonde du point de vue d’un marcheur, livré aux découvertes visuelles inattendues d’un paysage sans drame, heureux, négligé le plus souvent par des observateurs qui refusent d’en accepter l’évidence d’une beauté encore miraculeusement intemporelle, alors tout change. Le style refuse l’emphase, réduit la vision à des éléments simples, des lignes harmonieuses qui n’attendaient que leur révélation photographique. Devant ces images au comble de la simplicité expressive, on se dit : Mais oui, c’est encore comme cela, cela « résiste ». Comme s’il fallait le regard pacifié d’un photographe au comble de son art, porté par l’extraordinaire efficacité d’un langage simplifié, pour que nous puissions atteindre à la révélation contemporaine du paysage français dont, depuis le peintre Corot, seuls quelques grands artistes avaient retenu les leçons ».

Signalétique soignée pour guider le visiteur dans ce dédale d’images, éclairages pour gommer l’effet miroir des photos sous verre. Catalogue XXL affichant la volonté de se démarquer des habituels commentateurs du paysage, avec des textes de Bruce Bégout et François Bon. Les deux auteurs se retrouvent suite à leur complicité sur la plateforme de François Bon « le tiers livre » et lors de la journée « Arts &Pratiques Urbaines » en mai 2016, à l’ENSPAC.   

Sous-titrée « une aventure photographique 1984-2017 » l’accrochage agrège des auteurs, des collectifs, des œuvres uniques et des séries. Des photos de Doisneau en couleur, du noir & blanc argentique, du 24×36 à la chambre, de la vidéo au numérique tous les registres s’emmêlent à l’exception des flux internet.  L’intitulé de travail qui restera celui du texte des commissaires « nous verrons un autre monde »  mettait l’accent sur le regard, celui qui instaure un paysage et qui évoluera vers la notion de territoire. Les territoires ajoutent aux paysages un dimension liée à la construction sociale des espaces. A la vision de l’oiseau -prise de vue aérienne- qui a prévalue jusque dans les années 80 succède la présence de l’opérateur au sein du paysage devenu territoire par la grâce des aménageurs. La bien-nommée DATAR s’illustre en imposant cette dénomination par le double jeu de son acronyme (Délégation interministérielle à l’aménagement du territoire et à l’attractivité régionale ) en opposition avec l’objet ,de la Mission photographique qu’elle initie en 1984, de « représenter le paysage français des années 1980 ».

Alain Roger dans l’ouvrage collectif « La théorie du paysage en France (1974-1994) » rappelle ce que le paysage doit à l’appareil photographique :

c’est que cet appareil de photo dont on serait en droit d’attendre une prestation technique est en fait l’outil idéal pour matérialiser ce concept de paysage. Il est une construction destinée à restituer cette fiction et n’existe qu’à travers elle. En fait, c’est la conception de l’espace « renaissant » qui s’est trouvée matérialisée, mécanisée, quelques siècles après par cet appareil photo qui soumet l’espace à son point de vue, à ses codes. Un point de vue imaginaire qui fait de l’homme le centre du monde.

Mais on peut s’interroger sur un intitulé excluant le photographe. Le sous-titre « une aventure photographique » souligne le caractère incertain et imprévisible de la pratique de la photo durant la période concernée 1984-2017. Le « paysage » même revendiqué national n’existe que par le regard des photographes.  La réflexion d’Alain Roger conserve toute son actualité. Le rapport appareil photo-paysage n’est pas non plus interrogé dans l’exposition. Le paysage est donnée comme une évidence photographique légitimée par les autorités commanditaires.

Google street view ouvre de nouvelles perspectives de vision paysagère, comme l’a montrée Caroline Delieutraz dans le projet intitulé Deux visions : 62 photos sur deux colonnes avec à gauche des reproductions du livre « La France », de Raymond Depardon ; à droite les mêmes lieux identifiés sur Google Street View par Caroline Delieutraz.

Que dire de l’absence du photographe français, dont le livre « Une France vue du ciel » figure en bonne place dans les bibliothèques qui ne comptent parfois que ce « beau livre » de photos dans les rayonnages. Témoin d’une France vue d’en haut où la mosaïque territoriale est traitée en palette de couleurs abritant un patrimoine de châteaux et de monuments historiques.
On peut relever des absences plus étonnantes, comme les photographes marcheurs de Tendance floue pour Azimut ; de Guillaume Bonnel, fondateur du collectif L’Œil arpenteur ; Eric Bourret photographe-marcheur qui « arpente et enregistre le temps des paysages », Manolo Mylonas pour ses vues surréalistes de banlieue, Albert Bérenguier pour Le paysage autoroutier, Patrice Moreau et son regard d’équerre,… le panorama de la photo paysagère dépasse les limites de la commande.

Les réseaux sociaux favorisent la diffusion masssive d’images amateurs et autres. De Flickr à Facebook en passant par Instagram, Tumblr et tous les autres, de nombreux groupes traitent du paysage. Que ce soit dans la lignée de New Topographics : Photographs of a Man-Altered Landscape ou de projet innovant à l’instar du Waldoscope de Valery Levacher. Il s’agit de projet personnel hors des cadres institutionnels et de la commande publique. Actuellement le cnap a lancé  son opération « Les Regards du Grand Paris », 2016-2026.

Pour mémoire  » En mars 2010, le ministre a décidé de créer une mission de la photographie, structure légère d’impulsion et de coordination, rattachée à la direction générale des patrimoines. La mission, qui jouit d’une large autonomie au sein de la direction générale, travaille en liaison avec les divers services concernés. Elle est ainsi en capacité de constituer un véritable point d’entrée au sein du ministère pour l’ensemble des acteurs publics et privés, professionnels ou détenteurs de fonds et tous ceux qui constituent la vitalité et la diversité de l’écriture photographie du paysage français. » Mais le Journal des Arts titré le 6 janvier 2017 : Le ministère sonne le glas de la mission de la photographie. Fermé le ban. L’injonction paysagère semble s’être dissoute dans le flot des images diffusées.

Pour échapper aux clichés

Camera Retrica,  Philip Schmitt, designer intéressé par les relations entre technologie et société, invente un prototype nommé Camera Retrica. En effet, l’appareil est conçu pour éviter à son utilisateur de prendre des photos d’objets ou de vues, dont il  existe déjà trop de publication sur le web. Le système est décrit ainsi : Connecté grâce à un smartphone, l’appareil géolocalise et recherche en ligne le nombre de photos qui ont été prises à proximité, grâce à un serveur appelé « Node », en lien avec Flickr et Panoramio. La camera, quand à elle, balaie une superficie de 35×35 mètres autour de la position géolocalisée… Si l’appareil décide -après un certain seuil spécifique à chaque lieu- que trop de photos ont été réalisées au même endroit, il se rétracte et bloque le viseur. Il est alors impossible de prendre une photo. L’inventeur explique avoir voulu ainsi faire réfléchir les personnes sur la valeur et la pratique de la photo à notre époque:

« Maintenant que la photo numérique remplace la pellicule, prendre des photos ne coûte plus rien, et on se retrouve avec des flux infini d’images. Camera Retrica introduit de nouvelles limites, pour éviter que nous soyons débordés par ces images. Et ces limites peuvent susciter de nouvelles sensations, comme l’excitation d’être la première ou la dernière personne à photographier un lieu donné.« 
Une présentation d’images anonymes réalisées dans les cadres prédéfinis installés sur certains sites, normalisant les points de vue jugés les meilleur par les responsables du lieu, aurait permis d’introduire la photo vernaculaire très tendance. Pour preuve, devenue un loisir partagé, la photographie de paysage fait l’objet d’une publication intitulée : Le livre qu’il vous faut pour réussir vos paysages par Henry Carroll. De même, la carte postale à travers une industrie, naguère florissante, à travers de nombreux éditeurs historiques a véhiculé des clichés de paysage, qui de par leur prégnance dans l’imaginaire populaire aurait pu trouver une mention dans l’exposition. Peut-être faut-il y voir une allusion dans la projection des prémices de l’Atlas des Régions Naturelles d’Eric Tabuchi qui en clôturant le parcours fonctionne comme une actualisation numérique des non-lieux. Marc Augé ,auteur des « Non-lieux », précisait qu’ils « créent de la contractualité solitaire ».

Atlas des régions naturelles- Eric Tabuchi

Parc Montsouris-Paris. photo Jacques Clayssen

à voir à la BnF jusqu’au 4 février, le site en lien, particulièrement soigné, restitue l’exposition pour ceux qui ne pourraient pas s’y rendre. Un programme de conférences autour de l’expo est proposé sur place.

Note

1-  » Une photographie est toujours plus saisissante qu’une description, si complète et si détaillée qu’elle soit : elle apporte au débat un témoignage d’une valeur incontestable ; fixe l’histoire si intéressante des torrents et des travaux de toute sorte qu’on y exécute ; fournit le moyen de conserver la physionomie vraie de la montagne aux diverses phases de sa restauration. La simple comparaison de ces images donne la mesure exacte des progrès accomplis et de ceux qu’on est en droit d’espérer pour l’avenir ; elle révèle parfois des faits inattendus et met en pleine lumière la puissance et l’efficacité des moyens employés contre les torrents »

Voyage d’hiVer-sailles

Sous la houlette de Jean de Loisy, l’équipe du Palais de Tokyo présente une exposition de 16 oeuvres dans les bosquets, les allées, les bassins et les places des jardins de Versailles, jusqu’au 7 janvier.

«Nous étions en hiver. Une journée splendide. Les perspectives, les branches des arbres, les statues étaient dessinées par ce crayon que l’air pur et glacé sait finement tailler.» ainsi débute la réflexion sur la proposition de promenade poétique dans les aménagements de Le Nôtre, selon Jean de Loisy.

Céline Minard est l’auteur du texte du catalogue Voyage d’Hiver.
L’auteur y présente les créations, sur les thèmes de la promenade et des transformations de la nature en hiver, de douze artistes qui ont chacun investi les jardins du château de Versailles. Elle propose une fiction intitulée Grenouilles en grands manteaux en complément du projet artistique.

Une occasion de se laisser guider dans ce qui est l’un des plus grands musées de la statuaire en plein air. Seize artistes contemporains ajoutent leurs oeuvres à celle des créateurs auxquels Louis XIV avait confié l’ornementation des jardins. Ils ont conçu, en dialogue avec les organisateurs, une dramaturgie qui conduit le visiteur de l’un à l’autre des bosquets, ces étranges salons végétaux, selon une progression émotionnelle calculée, jouant avec les significations historiques ou mythologiques de chacun des lieux.

Sculptures, installations sonores, tableaux, drapés, reflets, oxydations, glaciations sont quelques-unes des techniques utilisées pour transformer la flânerie du visiteur en une expérience personnelle qui lui rende perceptibles les mutations de la nature, de la gloire de l’automne à la minéralisation orgueilleuse de l’hiver. C’est cette correspondance entre temps cosmique et temps humain que le titre souligne, puisque Voyage d’hiver rappelle évidemment la poignante méditation de Schubert sur ce thème.

Une déambulation, sous une lumière différente, de la flamboyance automnale à la grisaille mélancolique de l’hiver, en sens inverse des promenades royales pour découvrir des oeuvres actuelles dans des espaces aménagés par André Le Nôtre, en conversation à travers leurs dimensions poétiques et ludiques, dans un échange où trouvent place les illusions d’optique, les troubles perceptifs que provoquent les mises en scène de la nature dans les salons verts.

Sites remarquables

Le bosquet des Bains d’Apollon actuel date du règne de Louis XVI et fut aménagé entre 1778 et 1781. À son emplacement, Le Nôtre avait d’abord créé, vers 1670, le pittoresque bosquet du Marais, dont la principale décoration consistait en un bassin bordé de roseaux de métal peints au naturel et orné en son centre d’un arbre de métal crachant de l’eau.

En 1705, ce bosquet plein de fantaisie disparaît pour laisser la place aux groupes d’Apollon servi par les nymphes et des Chevaux du Soleil que Jules Hardouin-Mansart place sous des baldaquins de plomb doré et sur des socles bordés par un bassin. La partie ouest du bosquet est aménagée sous Louis XV pour le dauphin. Les deux parties du bosquet sont totalement modifiées sous Louis XVI et le peintre Hubert Robert y conçoit un jardin à l’anglaise dont le centre est occupé par un lac que domine un immense rocher factice agrémenté de cascades et creusé d’une grotte dans laquelle est installé le groupe d’Apollon, tandis que les deux groupes des Chevaux du Soleil sont placés de part et d’autre.

La fontaine de l’Encelade fut exécutée en plomb par Gaspard Marsy entre 1675 et 1677. Le sujet en est emprunté à l’histoire de la chute des Titans, ensevelis sous les rochers de l’Olympe par les dieux qu’ils avaient voulu détrôner.

Le sculpteur a représenté le géant Encelade à demi englouti sous un amoncèlement rocheux, luttant contre la mort et dont la souffrance se traduit par le puissant jet qui s’échappe de sa bouche, comme un cri. Le dessin du bosquet, dont le pourtour est scandé par des pavillons de treillage reliés par des berceaux, a été totalement modifié en 1706 par Jules Hardouin-Mansart qui transforme cet espace fermé en carrefour ouvert en supprimant les treillages, les petits bassins et la dénivellation d’origine. Un programme de restauration mené de 1992 à 1998 a permis de restituer à ce bosquet son aspect d’origine.

Construite à partir de 1685 par Jules Hardouin-Mansart, la Colonnade a remplacé un bosquet créé par Le Nôtre en 1679 : le bosquet des Sources. Péristyle circulaire de plus de quarante mètres de diamètre, l’ouvrage s’appuie sur trente-deux pilastres servant de contreforts aux arcades que soutiennent trente-deux colonnes ioniques.

Les pilastres sont tous en marbre du Languedoc tandis que les colonnes alternent entre marbre bleu turquin, brèche violette et marbre du Languedoc. Cette discrète polychromie contribue à faire ressortir la blancheur du marbre de Carrare employé pour les arcades et les vases de la corniche. Le décor sculpté des écoinçons, réalisé entre 1685 et 1687 par les sculpteurs Coysevox, Le Hongre, Tuby, Mazière, Leconte, Granier et Vigier, représente des Amours s’adonnant à la musique ou à des jeux champêtres. Sous vingt-huit des trente-deux arcades, dont les clés d’arc sont ornées de masques de divinités marines ou agrestes, des fontaines jaillissantes se déversent dans une goulotte qui entoure le péristyle. Au centre, le bassin d’origine a été remplacé dès 1696 par le groupe de Girardon, L’Enlèvement de Proserpine par Pluton.

Le bosquet de la Salle de Bal est le dernier bosquet que Le Nôtre aménagea dans les jardins. Les travaux, commencés en 1680, s’achevèrent en 1685.

Le Grand Dauphin, fils de Louis XIV, y donna un grand souper pour son inauguration. Le bosquet est traité comme un amphithéâtre de verdure. Au centre, l’arène avait été dotée d’un îlot ceinturé d’un canal à deux niveaux et accessible par quatre petits ponts. Cet îlot, destiné à la danse, fut supprimé par Jules Hardouin-Mansart en 1707. Le Nôtre utilisa habilement l’importante déclivité provoquée par les rampes du parterre de Latone pour concevoir une grande cascade – la seule de Versailles – qui occupe tout le côté oriental de l’amphithéâtre. Cette cascade à huit degrés est scandée de rampes de marbre. L’ensemble a reçu un décor de pierres de meulière et de coquillages, auquel s’ajoutent de grands guéridons et des vases de plomb doré. Les gradins destinés aux spectateurs sont soulignés par des buis taillés.

(les descriptions des 4 sites sont extraites de http://www.chateauversailles.fr/decouvrir/domaine/jardins/bosquets#bosquets-sud)

Le parcours

Voyage d’hiver promet de transformer la flânerie du visiteur en une expérience personnelle qui lui rende perceptible les mutations de la nature, de la gloire de l’automne à la minéralisation orgueilleuse de l’hiver . Jean de Loisy

Les oeuvres

1-Marguerite Humeau Bosquet de l’Arc de Triomphe

RIDDLES, un sphinx qui protège la Terre de l’Humanité

L’oeuvre de Marguerite Humeau s’articule autour de récits fondateurs : l’origine de l’humanité, l’apparition du langage, la naissance du sentiment amoureux ou encore l’origine de la guerre. Ses oeuvres sont élaborées à partir d’un dialogue avec des ingénieurs en robotique, des paléontologues, des biologistes, etc. que l’artiste mêle à des récits de science-fiction.
Chacune fait intervenir un protagoniste principal ; une créature hybride, à la fois chimère, spectre et cyborg.

2-David Altmejd Bosquet des Trois Fontaines

L’oeil, le Souffle

Fruit d’un intérêt pour la biologie autant que pour la mythologie, l’oeuvre de David Altmejd mêle l’univers scientifique à celui des traditions animistes et des légendes anciennes. Il invente des mythes ; chaque série de sculptures pouvant être considérée comme l’allégorie d’un moment-clé de la création du monde.

3-John Giorno Bosquet des Bains d’Apollon

Let it come let it GO
‘We gave a party for the Gods ans the Gods all came’

Personnage iconique des premiers films d’Andy Warhol, John Giorno s’inspire de la libre appropriation des images du Pop Art et capture sur le vif la langue populaire des publicités, de la télévision, des journaux et de la rue. Dans la lignée de la Beat Generation, il renouvelle le genre de la « poésie trouvée » et oeuvre pour rendre la poésie ouverte à tous.

4-Dominique Petitgand Bosquet du Dauphin

Depuis 1992, Dominique Petitgand réalise des pièces sonores. Des oeuvres où les voix, les bruits, les atmosphères musicales et les silences, construisent par le biais du montage des micro-univers. L’ambiguïté subsiste en permanence entre un principe de réalité (l’enregistrement de paroles) et une projection dans des « récits et paysages mentaux », des histoires en creux, en devenir, qui n’appartiennent qu’à l’auditeur.

5-Mark Manders Bosquet de l’Etoile

Dry Clay head

Mark Manders poursuit depuis 1986 un projet intitulé Self-portrait as a Building. Il s’agit de réaliser un autoportrait dans l’espace avec des objets, en mêlant des éléments architecturaux et des références iconographiques aussi savantes qu’éclectiques ; mêlant l’antiquité grecque à la peinture flamande, la renaissance italienne à l’art brut.

6-Jean-Marie Appriou Bosquet de l’Obélisque

les saisons

Le travail de Jean-Marie Appriou s’inscrit dans un aller – retour entre l’observation et le laboratoire en atelier. Il s’inspire desmatériaux et de leurs réactions pour construire une trame narrative et symbolique. Malgré le savoir-faire acquis au fil des productions, il souhaite cultiver l’expérimentation, testant ainsi des procédés non conventionnels.

7-Cameron Jamie Bosquet de l’Encelade

extrait de la série Spine Station

Cameron Jamie s’interroge sur la manière dont se manifeste la force rémanente avec laquelle les légendes anciennes continuent de structurer notre imaginaire. Sa pratique est partagée entre plusieurs médiums, la vidéo, le dessin et la sculpture.

8-Hicham Berrada Bosquet des Dômes

Matrice minérale
Matrice minérale -détail

 

Hicham Berrada compose ses installations comme autant de tableaux vivants. Il provoque dans ses oeuvres des réactions chimiques de manière à rendre perceptibles les métamorphoses discrètes – parfois microscopiques – de la nature.

9-Ugo Rondinone Char d’Apollon

The Sun

Ugo Rondinone parcourt le spectre des émotions qui jalonnent toute existence humaine, provoquant chez le spectateur autant l’enchantement que la mélancolie. L’ensemble de son oeuvre est alimenté par une méditation sur la nature et le cycle de la vie ; la vanité de toute existence ainsi que la répétition d’instants magiques et presque hors du temps.

10-Sheila Hicks Bosquet de la Colonnade

Prospérine en chrysalide

Sheila Hicks, artiste intéressée par l’ethnographie, s’inspire des pratiques de tissage de diverses cultures, des techniques traditionnelles aux productions industrielles.

11-Tomás Saraceno Jardin du Roi

Cloud cities

Tomás Saraceno s’inspire des toiles d’araignées pour imaginer des architectures utopiques flottant dans les airs. Chaque sculpture offre une modélisation d’un idéal de vie. Son renversement des lois de la gravité fait disparaître frontières et territoires. Il explore les possibilités inexploitées de la nature en cherchant parmi les modes non-humains d’action et de communication.

12-Anita Molinero Bassin du Miroir

Floraison pour Nollopa

Anita Molinero privilégie l’énergie du geste et de l’improvisation tout en revenant sans cesse aux fondamentaux de la sculpture : le poids et la masse, le plein et le vide, le socle, le volume, etc. Composant ses premières sculptures avec des objets et des matériaux de récupération, elle choisit par la suite d’apporter aux formes la puissance de l’irréversibilité du geste. Elle adopte pour cela le plastique et une série de matériaux toxiques qu’elle coupe, brûle, lacère, sculpte.

13-Oliver Beer Bosquet de la Girandole

Accord/Tacet

À travers une perspective acoustique, les oeuvres d’Oliver Beer révèlent la musicalité innée du monde physique et construisent de nouvelles formes de narration et de composition musicale. Sa double formation, en composition musicale et en arts plastiques, l’a amené à s’intéresser très tôt à la relation qui existe entre le son et l’espace, en particulier à travers la voix et l’architecture.

14-Louise Sartor Allée du Labyrinthe

 

« C’est estre fou que n’aimer rien »

Louise Sartor réalise des séries de peintures à la gouache de très petit format sur des supports sans qualité et particulièrement fragiles : pages de papier journal déchirées, boîte d’oeufs, etc. Les motifs sont inspirés de photographies reprenant des scènes du quotidien.

15-Rick Owens Bosquet de la Reine

Untitled

Rick Owens est un designer et créateur de mode ancré dans le mouvement minimaliste et « antifashion » des années 1990. Décrivant son travail comme « la rencontre entre Frankenstein et Garbo, tombant amoureux dans un bar SM », il est considéré, depuis la création de son label en 1994, comme l’une des figures les plus radicales et controversées de la mode.

16-Stéphane Thidet Bosquet de la Salle de Bal

Bruit Blanc

Stéphane Thidet crée des univers ordinaires au sein desquels s’opèrent des décalages, des pas de côté, nous offrant une vision distordue et poétique de la réalité. S’appuyant sur des situations de la vie courante, sur des signes appartenant à la mémoire collective comme sur les soubresauts de l’histoire, ses oeuvres suggèrent une fiction non accessible mais perceptible, qui confronte le spectateur à une « mise en péril des choses ».

 

informations pratiques

Château de Versailles
Place d’armes
78000 Versailles

RER : Versailles – Chantiers (C)

Quatre fontaines historiques donnent au jardin un mouvement giratoire qui suit le rythme des saisons. « Voyage d’hiver » accompagne pour trois mois ces métamorphoses en proposant une promenade méditative au coeur du parc qui bascule doucement dans le froid et le gel.

Accès gratuit tous les mardis aux dimanches de 10h à 17h
(sauf les 22, 24, 27 et 28 octobre de 9h à 19h, les 29 et 31 octobre de 9h à 17h30).
L’accès aux jardins est payant les jours de Jardins Musicaux et de Grandes Eaux
Musicales les mardis 24 et 31 ainsi que le vendredi 27, le samedi 28 et
les dimanches 22 et 29 octobre.